RETO 30 60 VIDEO 8 ARTE MUKIMONO E IKEBANA

HOLA:

Soy Francisco De La Peza Berríos y soy mexicano. Te quiero dar la más cordial bievenida a mi blog, y agradecerte que lo visites. A través de este blog quiero compartir contigo todo lo que soy, cuales son mis aficiones y todo lo que hago.

Pero sobre todo, permítme compartir contigo todo lo que me ha ofrecido la vida, ya que, sin duda alguna, estoy seguro de que muchas de mis experiencias pueden servirte para contribuir al desarrollo de tu éxito.

Para comenzar déjame decirte que no soy cocinero, ni chef, sino un simple aficionado a la cocina. Por eso te voy a compartir una de mis más grandes aficiones culinarias, el arte Mukimono y el Arte Ikebana.

ARTE MUKIMONO E IKEBANA

Generalidades

Formalmente sólo existen siete bellas artes reconocidas en el mundo de la cultura, que son: Arquitectura, escultura, danza, música, pintura, literatura (que incluye la poesía), teatro, y en la época moderna se ha logrado introducir la cinematografía a la que se le ha denominado el séptimo arte.

El arte está íntimamente relacionado con el ser humano, ya que es, a partir de la aparición del homo sapiens, cuando comienzan las primeras expresiones artísticas como parte de los rituales mágico – religiosos, y en términos generales se ha denominado arte a toda aquella actividad a través de la cual la persona expresa ideas y emociones sobre percepciones y sensaciones de lo que constituye la visión más íntima del mundo, a través de los diversos recursos plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos.

Actualmente, la noción de arte, está sujeta a profundas polémicas. Esto se debe a que el significado de la palabra “arte” varía según la cultura, la época, el movimiento, o el grupo de personas para las cuales el término expresa ese sentido.

Etimología de la palabra arte.

Arte proviene de la palabra latina ars, y que es equivalente al término griego téchne o tekné, que significa técnica.

Originalmente se aplicaba a toda la producción realizada por el ser humano y a las distintas disciplinas del saber hacer. Así, artista era tanto el cocinero, el jardinero, o el constructor, como el pintor, el poeta o el músico. Con el tiempo, la derivación latina (ars –> arte) se utilizó para designar a aquellas disciplinas relacionadas íntimamente con lo estético y lo emotivo; la derivación griega (téchne –> técnica), comenzó a utilizarse solo para aquellas disciplinas que tienen que ver con las producciones intelectuales y de artículos de uso.

En la actualidad, es difícil encontrar que ambos términos (arte y técnica) se confundan o utilicen como sinónimos. De hecho, en ciertas artes, como en la pintura, el artista expresa que técnica utilizó, pero no como una parte integral del arte, sino sólo como el medio con el que logró la obra.
A finales del Siglo XV durante el Renacimiento Italiano, es cuando comienza la distinción entre artesano, artista y las bellas artes, y, equivalentemente, entre artesano como productor de obras múltiples, y artista como creador de obras únicas.

Es también en este período cuando se elabora un lenguaje propio para diferenciar la forma exterior de la representación formal, quedando clasificadas las artes liberales (las actuales bellas artes) en tres oficios: arquitectos, escultores y pintores.

El arte efímero:

Podríamos definir el arte efímero como toda aquella expresión de ideas y emociones cuya duración es muy corta.

Hacia los años 50s, los distintos movimientos del arte expresionista, pretenden expresar que, la sublimación de la espiritualidad humana, puede desaparecer con cualquier situación externa que destruye los anhelos más elevados del ser humano. Esta idea es producto de la estela que dejaron los años de guerra y destrucción en Europa, durante la Segunda Guerra Mundial. Al menos eso fue lo que quedó bien fijo en la mente de los teóricos, críticos, historiadores, filósofos y público en general, y por supuesto en la de los artistas. Desde luego, es aquí donde se dibuja una línea bien definida entre sobre el concepto de arte oficial y burgués. Unos eran protegidos por las instituciones y mientras que a otros los rechazaban.

Es así como comenzó la crítica de lo que se ha denominado “El Aura de lo Artístico”, y que en resumen, son las características que distinguen a todo el arte Moderno y se ha fijado su inicio en el Renacimiento. Es decir, único, irrepetible, universal y perdurable; y en el concepto de perdurable es donde subyace algo que parece expresar la antítesis del arte, y es lo que se refiere a la visión mercantilista del arte, ya que, en la medida en la que pasa el tiempo, socialmente adquiere ese plus que se refleja en el valor monetario de cada obra.
La forma de responder contra el “arte oficial” era hacer que el arte no se transformara en una mercancía que hiciera más evidente las diferencias de las clases sociales; aunque, a lo largo del tiempo, así se refleje. El Arte efímero está relacionado con el Conceptual Art; con el Arte Acción (performance, happening, intervention) en tanto que ya no es valorando un objeto en sí mismo, sino de la idea misma que lleva a su realización.

Su duración puede ser de momentos o periodos de tiempo más o menos largos, y todo depende del artista.

Hay arte efímero en el earth y land art, en el arte povera, el body art; Ahí donde se intervenían espacios urbanos… que rompieran con la monotonía espacial. Hay mucho de Arte efímero en los trabajos de los Grupos Mexicanos de los 60′s. Y como no, el 90% de la Pintura Graffiti es efímera, por sus fundamentos tiene que serlo.

Sin duda otro aspecto que distingue al Arte Efímero, sea cual sea el campo de trabajo, el tiempo va a ser el fundamento material – plástico por excelencia.

Ahora bien, el conocimiento del arte efímero lo podemos alcanzar a través del registro fotográfico del mismo, ya que si es arte efímero y no hay un registro fotográfico del mismo, entonces no podremos decir jamás que dicha pieza de arte existió.

Mukimono, un arte efímero.

El arte Mukimono tiene su origen en la China de los siglos XVI y XVII durante la dinastía Tang. Desde entonces el arte de la escultura en frutas y vegetales ha sido practicado en este y otros países asiáticos como Corea, Tailandia, Japón y Filipinas. La aplicación que se puede hacer del mukimono en la gastronomía es especialmente en el área de la cocina fría, ya que nos ofrece una amplia la gama de formas y contrastes con los podemos deleitar la creatividad de quien lo hace.

Se usa para decorar bufes en los que se elaboran adornos y guarniciones comestibles para platillos fríos, para platones de quesos o carnes frías, y como centros de mesa en los cuales pueden tallarse figuras con detalles alusivos al tipo de evento.

Al momento de colocar las figuras o adornos en charolas es importante usar la simetría y buscar un punto focal para obtener una fluidez visual. Los vegetales que México produce nos permite contar con una gran diversidad de productos con los que se puede llevar a cabo el arte mukimono.

Entre los vegetales más usados se encuentran el betabel, camote, zanahoria, nabo, rábano, pepino, berenjena, cebolla, pimiento rojo, verde o amarillo, jícama, calabaza y apio. Por su parte, las frutas más recurridas son el melón chino, melón valenciano, kiwi, manzana, sandía, piña, papaya, jitomate, y las frutas cítricas como la naranja, toronja y mandarina.

Generalmente, en los cursos en los que se enseña este arte, quienes lo imparten, suelen irse a la enseñanza de las figuras clásicas, tales como un pingüino con una berenjena, una mariposa con betabel, un dragón con camote amarillo, una canasta con un melón, un cangrejo con un pepino, una paloma con jícama, un barco con una sandía, una langosta con zanahorias, o un florero con una piña, sólo por mencionar algunos.

Sin embargo, cuando la persona que aprende este arte aprende el fondo de este arte, es decir, cuando aprende a manejar las herramientas, las frutas, legumbres y verduras, así como las distintas técnicas y conceptos, no tiene porque quedarse con el conocimiento de la elaboración simple de las figuras, sino que puede y debe procurar encontrar todas las posibilidades que le brinda este arte, y cuando lo logra, nunca tendrá límites para elaborar cualquier cosas que se proponga.

Para llevar a cabo estos trabajos es necesario tener paciencia y disponer de tiempo para trabajar cuidadosamente. Contar con las herramientas necesarias, tales como los cuchillos mondadores y torneadores.

Los cuchillos mondadores, torneadores y las gurbias son las herramientas básicas para llevar a cabo las esculturas.

La mayoría de las decoraciones requieren ponerlas en agua con hielo, pues el agua fría permite que las secciones y cortes de los vegetales se abran, separándose en forma de espiral o curvas, sin perder su rigidez.

Ciertas decoraciones requieren de cortes de vegetales que sean flexibles y suaves para poder entrelazarlos, doblarlos o pegarlos sin que se rompan. Así mismo, dar un brillo y atractivo ENTRE MUCHAS COSAS MÁS…

ARTE FLORAL IKEBANA:

“Ikebana” es la palabra japonesa utilizada para referirse a un arreglo floral.

Los principios artísticos en los que se basa el arte Ikebana, reconocidos a nivel mundial, lo caracterizan por el profundo amor por las formas lineales, que le dan forma y color, presentes en todo el arte oriental.

El Ikebana es una composición lineal, cuyo material está integrado por ramas comunes, generalmente secas, sin embargo, cuando dichas ramas se disponen en una armoniosa línea fluida, suscita un atractivo mayor que el que puede despertar un arreglo realizado con los hermosos colores de capullos.
Pero eso no es todo. Tan importante como la perfección lineal, es el conocimiento naturalista, ya que la comprensión del desarrollo natural de los materiales utilizados y un amor por la naturaleza en todas sus fases es lo que nos permitirá lograr que el conjunto de elementos destaque con su belleza.

Iniciado hace trece siglos, el Ikebana fue concebido como la expresión simbólica de ciertos conceptos filosóficos japoneses del budismo. Sin embargo, con el transcurso del tiempo, la completa “japonizacion” del arreglo floral Ikebana y su adaptación al genio peculiar del pueblo japonés, hicieron que se perdiera una gran parte de su sentido religioso y adquiriera mayor relieve la instrucción naturalista.

En el Ikebana, el concepto de “el paso del tiempo” cobra una importancia simbólica fundamental, ya que al terminar el arreglo floral, se hará evidente para el ojo perspicaz. De ninguna manera sería aceptable el concepto Ikebana, si no surgiera de él el entendimiento de las estaciones y el tiempo, ya que es parte del continuo devenir y desarrollo de los elementos vegetales utilizados.

Materiales empleados:
- El pasado: capullos abiertos, vainas vegetales y hojas secas
- El presente: capullos semi – abiertos u hojas lozanas
- El futuro: yemas y capullos cerrados, como sugerencia del desarrollo futuro

Tipo de arreglo:
- Primavera: arreglo vital con curvas rigurosas
- Verano: arreglo amplio y desplegado
- Otoño: arreglo tenue y ralo
- Invierno: arreglo estático y algo nostálgico

En general, todo arreglo floral japonés Ikebana está compuesto de tres grupos triangulares de flores o ramas: un grupo central vertical; un grupo intermedio que se inclina apartándose de la estructura vertical, y un grupo triangular invertido que se inclina desviándose del grupo central hacia el lado opuesto del grupo intermedio.

Los japoneses rara vez efectúan arreglos florales sin su propio follaje natural. La mayor parte de ellos constan de unas pocas ramas de un árbol o arbusto, como así también de pequeñas “flores herbáceas” que podrían crecer naturalmente en la base del árbol.

Los occidentales no acostumbrados a este tipo de diseño floral, a menudo no alcanzan a apreciar su belleza natural y se admiran de que los japoneses hagan uso de tal follaje con propósitos decorativos. La razón por la que utilizan otros elementos distintos a las flores es la de que los japoneses encuentran belleza en todas las formas y desarrollo de la naturaleza.

Las flores preferidas son las que crecen naturalmente en el jardín o en el campo en el momento de efectuar el Ikebana. Raramente se utilizan flores totalmente abiertas o follaje: por el contrario, se prefieren capullos cerrados. No se emplean ramas de árboles que producen hojas grandes o arbustos con abundancia de hojas, excepto cuando estas se hallan en brote.

Esta práctica tiene una doble finalidad: primeramente, cuando una rama se halla todavía en brotes, la belleza de la línea de la vara no se ve disminuida: en segundo término, el empleo de brotes permite que el observador disfrute del placer de verlos abrir lentamente, Por otro lado, cuando se efectúan arreglos con flores llegadas a su punto de perfección, estas pronto se marchitan y quedan inanimadas, expresando de este modo tan solo muerte y disolución.

Esta idea de comunicar desarrollo continuo de la vida y de expresar vitalidad es fundamental en todo el arte japonés y debe constituir la guía principal para el estudiante extranjero de arreglos florales Ikebana.

Desarrollo Histórico del Ikebana

Ikebana clásico.

En el siglo VI de nuestra era, comenzaron a verse los Ikebana en los templos budistas y su uso rápidamente se fue generalizando esto en todo el Japón. En virtud del tamaño de los templos y de la riqueza ornamental de los elementos propios del templo, los Ikebana tenían que ser grandes y rígidos, ya que de alguna manera debían ofrecer una adecuada armonía con todo el contexto.

Con forme fue pasando el tiempo, paulatinamente se fueron flexibilizando y comenzaron a realizarse ikebanas con una tendencia de crecimiento a lo ancho.

Los elementos vegetales se utilizan para representar diversos objetos naturales; las rocas y las piedras son simbolizadas por ramas de pino; las aguas del rió y las pequeñas corrientes por crisantemos blancos; la luminosidad solar, las sombras y los diversos colores de la estación son igualmente expresados por medio de la colocación, en lugares adecuados, de plantas convenientemente escogidas.
Ikebana naturalista.

Los cambios de mayor significación en el desarrollo del Ikebana tuvieron lugar durante el siglo XV. En este tiempo las grandes edificaciones como las pequeñas casas eran un reflejo del amor por la sencillez. En estas últimas se introdujo un sitio en el interior de las construcciones destinada a la veneración en donde colocaban objetos de arte y arreglos florales Ikebana.

Moribana.

Todo evoluciona y el Ikebana no es la excepción, en los últimos 50 años, conservando el concepto ancestral, el estilo “Moribana”, que de alguna manera nos muestra la influencia de occidente.
Es una especie de mezcla entre el más ancestral estilo Rikka, con formas artificiales, junto con el concepto naturalista “Nageire” en proporciones similares, y con un tercio similar se añade la evocación de un paisaje natural. Este tipo de Ikebana utiliza más flores

Principios fundamentales del Ikebana
La línea, el ritmo y el color son las bases fundamentales para lograr la composición ideal para alcanzar la máxima belleza. De hecho, el conjunto de conceptos del pasado, el presente y el futuro, son los elementos que realzan dicha belleza, aunque hay que decir que, tal vez, para los japoneses lo más importante es el ritmo lineal.

No podríamos hablar del concepto de arte japonés, si el Ikebana no tomara como parte fundamental de las líneas expresadas, si no simbolizaran los tres grandes elementos que son el cielo, el hombre y la tierra, y que son las líneas que forman el armado de todo Ikebana.